Blu-ray de la semaine

Mahler Symphonie n°4 et les Rückert-Lieder.

Magdalena Kozená, mezzo.

L'orchestre du festival de Lucerne; Claudio Abbado, dir.

Si vous aimez l'univers mahlerien, il vous faut cette intégrale que l'Orchestre du Festival de Lucerne complète actuellement avec Claudio Abbado comme chef d'orchestre.

Pour commencer la soirée, rien de mieux que cette version des Rückert-Lieder chantée admirablement par la mezzo soprano Magdalena Kozená.

Évidemment il y a de nombreux enregistrements disponibles de cette symphonie sur le marché du disque , mais si vous cherchez la version qui sublime l'art dans toute sa profondeur, c'est celle-ci qu'il vous faut.

Plus que des mots, l'image d'un musicien comme Alessio Allegrini, pleurant pendant qu'il joue son solo de cor, nous témoigne de la profondeur et de l'intensité dont Abbado a su imprégner cette magnifique version.

S'il vous plait, ne passez pas à côté d'une telle expérience artistique . Il sera difficile de trouver d'autres orchestres qui rendent à la musique de Mahler toute l'humanité et la profondeur qu'elle possède. Mahler fut non seulement un compositeur génial , mais également un philosophe des sons et un grand artisan des sentiments les plus nobles que l'homme possède.

EuroArts 2057984-Blu-ray, 2057988 DVD.

L'éducation nous rend libres, c'est à nous de faire quelque chose avec.

Qu'est-ce qui retient mon attention de ce Blu-ray? non pas les pièces, toutes des classiques du répertoire, non pas seulement le chef d'orchestre, Claudio Abbado, peut-être notre dernier dieu vivant de la direction, mais par contre l'aboutissement d'une idée.

Souvent on écoute dire que l'éducation est essentielle pour l'avenir des peuples, et c'est en voyant l'Orchestre des Jeunes du Venezuela Simon Bolívar en action, que l'on comprend toute l'importance de cette idée.

Claudio Abbado a toujours soutenu l'oeuvre de José Antonio Abreu. Avec "El Sistema", un groupe de musiciens et professeurs de musique au Vénézuela ont trouvé la façon de sortir des jeunes très pauvres de la rue et des bidonvilles de Caracas, en leur apprenant tout simplement de la musique.

Avec des énormes efforts, non seulement de leur part, mais aussi de leur familles, ils sont devenu des musiciens accomplis: les oeuvres qu'ils jouent, nous le démontrent. La suite scythe op 20 de Prokofiev, la suite symphonique de l'opéra Lulu d'Alban Berg et la 6è symphonie de Tchaikovsky op 74.

Tout est dirigé en harmonie avec le savoir faire d'Abbado. Un petit bijou, l'air de Pamina "Ach, ich fühl's" chanté par la soprano Anna Prohaska.

Plus qu' un concert j'y vois la réalisation d'une idée, d'un projet. Je ne voudrais pas utiliser le mot miracle, parce qu'il a fallu le travail de nombreuses personnes pour le faire. Mais d'une certaine façon, le miracle réside dans l'espoir de ceux qui croient encore dans le pouvoir transformateur de l'homme. Et la plus grande transformation est celle de faire changer le destin de l'homme par l'éducation, ce qui va former la culture de l'humanité

Blu-ray Accentus Music ACC10204

Orchestre des Jeunes Simon Bolívar; Claudio Abbado, direction.

Anna Prohaska, soprano.

Philippe Adelfang.

Blu-ray de la semaine

Une petite ré-édition en Blu-ray à ne pas rater, les concerts que l'orchestre du Gewandhaus de Leipzig a donné en juin 2006, avec Martha Argerich jouant le concerto pour piano Op.54 et Ricardo Chailly dirigeant la 4è symphonie Op.120. le tout est complété d'un adagio et allegro brillant orchestré par Tchaikovsky, et l'orchestration de 4 pièces du Carnaval Op9 qui n'est.pas si souvent jouée

Que dire du concerto pour piano:on est peut-être en présence d'une des plus belles prestations dans l'histoire musicale de cette pièce.

Simplement il faut constater l’énergie et l'interaction que Martha Argerich développe avec l'orchestre, Chailly ne fait que s'assurer que toute cette musique puisse avoir une voie d'expression accorde à l'inspiration de cette soirée.

Le tout se poursuit avec la 4è symphonie en ré mineur, où l'orchestre et le directeur donnent toute les lettres de noblesse que la partition possède, mais souvent détruites par des versions médiocres.

Entre ces deux monuments de la musique classique, une petite perle, les arrangements que Maurice Ravel fit en 1914 de quatre pièces du Carnaval op9 destinées à la troupe londonienne du célèbre danseur Vaslav Nijinski.

Comme introduction, on a eu droit a deux pièces du cycle, Études symphoniques que Tchaikovski orchestra entre 1863 et 1865 juste au moment où il finit ses études au Conservatoire de Saint-Pétersbourg auprès d'Anton Rubistein.

Blu-Ray Euro Arts 2055494

Martha Agerich, piano;

L'Orchestre du Gewandhaus de Leipzig; Riccardo Chailly, direction.

Enregistré le 1-2 juin 2006.

Philippe Adelfang.

Monsigny : Le Déserteur (Drame en Trois Actes)

Michel-Jean Sedaine : livret

William Sharp : baryton (Alexis); Dominique Labelle : soprano (Louise); Ann Monoyios : soprano (Jeannette); David Newman : baryton (Montauciel/2^e Garde); Eugene Galvin : baryton-basse (Jean-Louis (le Père)/3^e Garde); Tony Boutté : ténor (Bertrand/1^er Garde); Darren Perry : baryton (Courchemin); Claire Kuttler : soprano (Tante Marguerite);

Andrew Adelsberger : basse (Le Geôlier)

Orchestre de l’Opéra LafayetteRyan Brown, direction

Pierre-Alexandre Monsigny est né en 1729 et mourut le 14 janvier 1817. Sa longue vie lui permit de traverser un siècle extraordinairement riche en bouleversements, tant musicaux (et artistiques) que sociaux et politiques. Il fut témoin de la fin du Baroque, l’apogée du Classicisme et les débuts du Romantisme. Il vécut sous l’Ancien Régime, la Révolution, l’Empire et la Restauration! Comment sa musique reflète-t-elle ces perturbations monumentales? Sans ostentation ni placage trop étroit sur l’agitation stylistique de la période. Il serait vain de chercher chez Monsigny un témoignage de l’évolution musicale française, dans sa facture harmonique et structurelle du moins. Car c’est à un autre niveau que se situe la contribution du compositeur à l’histoire musicale de l’Hexagone. Le rôle que la postérité retient pour Monsigny est celui de père de l’opéra-comique. C’est dans la juxtaposition d’éléments légers (tant musicaux que dramatiques) et de rigueur formelle et compositionnelle que se démarque le corpus du compositeur. C’est également dans ce mariage du « populaire » et du « savant » que l’on peut retrouver l’origine de l’opéra-comique, cette contribution éminemment française à l’art lyrique, qui participe de façon originale au développement historique de cette rencontre des « classes » artistiques présente dans toutes les cultures occidentales, du Singspiel allemand au musical de Broadway en passant par la zarzuela espagnole.

Monsigny compose Le Déserteur en 1768, sur un livret de Michel-Jean Sedaine, un collaborateur régulier. Monsigny avait déjà plusieurs succès à son répertoire, mais le Déserteur sera l’œuvre qui fera sa renommée. Il est facile de comprendre pourquoi : la musique est tout simplement délicieuse, bordée de mélodies accrocheuses et d’une orchestration sensible et raffinée. Les tempis alertes et guillerets sont entrecoupés à l’occasion d’airs tous empreints d’une douce mélancolie, et portés par une écriture sensible qui sait mettre pleinement en valeur les tessitures choisies. Chez Monsigny, la préoccupation de la clarté est évidente, tant dans l’écriture vocale qu’instrumentale. Les duos, trios et pièces d’ensemble ont une grande limpidité. Chaque voix est admirablement bien distinguée des autres, si bien que ce Déserteur offre un expérience d’écoute d’une remarquable netteté. La prise de son Naxos, très naturelle, et l’impeccable diction des chanteurs de l’Opéra Lafayette, situé à Washington D.C., contribuent aussi grandement à ce succès.

Le livret met en scène Louise et son bien-aimé, Alexis, accusé de désertion après un coup monté contre lui. Louise réussira finalement à obtenir un pardon signé du Roi, qui sauvera in extremis Alexis de la peine de mort réservée aux déserteurs.

Cette production constitue une brillante surprise, et une très agréable découverte. On souhaiterait maintenant entendre les autres opéras comiques de Monsigny (une douzaine environ), avec l’Opéra Lafayette (pourquoi pas?). Une combinaison gagnante comme celle-ci ne devrait pas être changée!

Frédéric Cardin

Marc Hervieux à L'Archambault Laval

Le célèbre ténor québécois Marc Hervieux a fait une séance de signature de disques et posters à L'Archambault Laval samedi dernier.

Ce fut non seulement l'occasion pour plusieurs mélomanes de pouvoir le rencontrer mais aussi c'a été une belle opportunité pour eux d'exprimer toute la sympathie et l'amour qu'ils ont pour l'artiste.

Bravo pour Hervieux, et pour Archambault qui ont permis ce rapprochement, d'autant plus que l'agenda de l'artiste se trouve si achalandée ces derniers temps.

More Hispano Yr a oydo

More Hispano, Yr a oydo.

Vicente Parrilla, dir.

Carpe Diem 16279.

Si vous cherchez un son tout à fait original, et une conception bouleversante dans un disque avec des musiques de la renaissance espagnole, il faut que vous écoutiez cet album.

Vicente Parrilla, flûtiste à bec et direction s'est entouré d'un ensemble magnifique de musiciens pour recréer des airs et des danses de cette période, en utilisant l'improvisation pour développer les idées thématiques.

L'improvisation était une pratique très répandu à l'époque dans la musique quotidienne de la renaissance. C'était la façon de faire prolonger les pièces, que si non, elles était en général de courte durée. Tous les musiciens à l'époque savaient improviser et cet art formait une partie essentielle de leur formation.

Cet album est non seulement une belle façon pour nous de connaitre ce noble art, mais aussi l'opportunité de découvrir comment jouait-on de la musique à l'époque de la renaissance espagnole, peut-être une des plus grandes périodes de la musique ancienne.

Ce disque est leur deuxième après une période de onze année de concerts et tournées, où surement beaucoup de ces pièces ont été jouées.

Yr a oydo est formé par:

Vicente Parrilla flûtes à becs et direction

Raquel Anduezza soprano

Fahmi Alqhai viole de gambe

Jesús Fernández lute et théorbe

Javier Núnez clavecin

Álvaro Garrido percussion.

Carpe Diem 16279 More Hispano, Yr a oydo (aller par coeur.)

Hector Berlioz Symphonie Fantastique

Hector Berlioz (1803-1869)

Symphonie fantastique, op 14

Le Roi Lear (Ouverture), op. 4

Orchestre symphonique de Pittsburgh

Marek Janowski. Pentatone PTC 5186 338

SACD hybride. Durée : 66 min. 22. Enregistré en novembre 2009.

Distribué au Canada par Naxos

1830, année révolutionnaire pour la France dont le paysage culturel fut projeté irrévocablement dans le Romantisme. Dans une même année éclata le scandale du drame Ernani de Victor Hugo, Lamartine fut élu à l’Académie française quoique non sans difficulté, le public découvrit la célèbre toile La Liberté guidant le peuple d’Eugène Delacroix et assista à la première de la Symphonie fantastique (ou Épisode de la vie d’un artiste) de Berlioz. Dans son Histoire du romantisme, Théophile Gautier écrivait à propos de cette génération dite de 1830 : « Une sève de vie nouvelle circulait impétueusement, tout germait, tout bourgeonnait, tout éclatait à la fois … L’art se renouvelait sur toutes ses faces; la poésie, le théâtre, le roman, la peinture, la musique formaient un bouquet de chefs-d’œuvre. »

Inutile d’insister sur l’importance historique de cette symphonie délibérément à programme autobiographique (dont le texte de l’argument devait être remis aux auditeurs car « indispensable à l’intelligence complète du plan dramatique » selon les propos du compositeur). Le très grand nombre de versions endisquées en fait foi. Sa structure en cinq parties, parcourue de part en part d’une « idée fixe », image de la bien-aimée présentée en diverses variations, bousculait les normes auxquelles étaient familiers les habitués des concerts symphoniques (Rêveries-Passions; Un bal; Scène aux champs; Marche au supplice; Songe d’une nuit du Sabbat, cette dernière indiquant des sous-scènes concluant l’œuvre : Dies irae, Ronde du sabbat, Des irae et ronde du sabbat ensemble).

L’instrumentation et effets orchestraux fourmillaient de sonorités inédites pour les auditeurs qui étaient encore subjugués par les symphonies de Beethoven et les opéras italiens. Il fallait que Berlioz trouve des solutions originales pour sortir les compositeurs de cette génération de l’immense torpeur créée par les sommets vertigineux du maître vénéré de Bonn; on n’a qu’à se rappeler les longues hésitations de Brahms avant d’accoucher de sa première symphonie.

Berlioz réussit, grâce à cette œuvre toujours d’une fraîcheur vivifiante et écrite en seulement trois mois (!), à s’imposer comme brillant illustrateur musical et personnalité créatrice audacieuse. Je pense notamment à la dissonance des quatre timbales pour évoquer le fracas lointain du tonnerre, aux huit divisi des violons et altos ouvrant le mouvement du Songe d’une nuit du Sabbat, au glissando de la clarinette en mi bémol et aux cordes frottées par l’archet pour représenter les personnages typiques du romantisme noir, mais aussi à la sublime sobriété de la coda marquée Religiosamente, apaisement final d’un épisode passionnel soumis aux « mouvements de fureur, de jalousie », à l’atmosphère voluptueuse d’une scène de bal animée d’une valse se terminant dans une frénésie enivrante, au contrechant d’un hautbois hors-scène dialoguant dans le lointain d’un soir en campagne. Tant d’images parmi d’autres si délicieuses pour les mélomanes de notre siècle mais qui ont dû vivement surprendre ceux de 1830 !

Bien qu’il existe déjà plusieurs enregistrements qui font autorité, celui-ci détient une place respectable au statut de référence tant l’interprétation est à la hauteur des ambitions du compositeur et la sonorité merveilleusement dévoilée par la qualité de l’enregistrement. Les contrastes parfois très subtils reçoivent le relief approprié pour les nuances expressives que ce soit pendant les effets d’ensemble ou pour éclairer le contour d’instruments qui doivent se distinguer de la masse (écoutez attentivement les solos marqués pppp de la flûte et de la clarinette à partir de la mesure 118 de la Scène aux champs). Tout est rendu avec une souplesse magistrale qui nous laisse avec le souvenir d’une narration musicale impérissable, sinon avec le désir de la ré-entendre aussitôt.

Contrairement à ce que pourrait laisse croire son numéro d’opus, l’ouverture du Roi Lear a été composée en 1831 et, tel que le note Ronald Vermeulen dans le livret du disque, « suit à la lettre le déroulement de la pièce de théâtre de Shakespeare ». Elle complète fort bien le programme car l’inspiration mélodique et dramatique ne s’était point épuisée après l’énergie requise pour réaliser quelques mois auparavant le chef-d’œuvre de la Symphonie fantastique qui avait mobilisé autour de 130 musiciens lors de sa création et qui avait certainement contribué à l’euphorie dont témoignait Théophile Gautier.

Guy Sauvé

Août 2010