Quintettes pour piano de Chostakovich et Weinberg chez Hänssler Classic

Mieczyslaw Weinberg (1919-1996)

Quintette pour deux violon, alto, violoncelle et piano op.18

Dimitri Chostakovich (1906-1975)

Quintette pour deux violon, alto, violoncelle et piano op.57

Weinberg, né a Varsovie et mort à Moscou a eu une vie bien dramatique, de quoi inspirer un roman. Il avait 25 ans quand les allemands envahirent la Pologne, il fut le seul survivant de sa famille. Il arrive à s'enfuir en Union Soviétique où il mènera sa carrière de compositeur coupée par des persécutions et emprisonnements dus à la haine antisémite stalinienne. Ce n'est qu'avec l'amitié de Chostakovich qu'il arrive à s'en sortir, et finalement après la mort de Stalin, il s'imposera comme un des compositeurs les plus joués par les fameux interprètes de l'époque comme Oïstrak, Rostropovich, Kondrachine et le quatuor Borodine. D’ailleurs ce quintette fut joué pour la première fois par Emil Gilels et le quatuor à cordes du théâtre Bolshoi en 1945.

Le quintette de Weinberg est d'une écriture plutôt introspective parfois plus proche de l’expressionnisme, mais gardant toujours une saveur très slave. Sa structure en cinq mouvements reflète une forme en arche ayant comme axe le presto central dont le final a une allure diabolique.

D'après le récit de Dimitri Tzyganov, premier violon du quatuor Beethoven, il nous raconte dans ses souvenirs «Après le succès du Premier Quatuor nous avons demandé à Chostakovich de composer un Quintette avec piano. Sa réponse nous combla: C'est entendu je vais écrire un quintette et je le jouerai évidemment avec vous...». La création a eu lieu dans la petite salle du Conservatoire de Moscou le 23 novembre 1940 avec le quatuor Beethoven et le compositeur au piano. La réception de l'oeuvre parmi le public fut extraordinaire. Les ovations n'en finissaient plus, d’ailleurs ce fut l'une des rares oeuvres de Chostakovich à avoir une approbation unanime des critiques et des collègues. Serge Prokofiev remarqua: « Si Chostakovich avait soixante ans, sa propension à peser soigneusement la moindre note pourrait être une merveilleuse qualité, chez un homme intelligent et expérimenté. Pour le moment, c'est un grave défaut. Je regrette l'absence de toute grande envolée dans ce quintette, bien que je doive admettre que, dans l'ensemble, je considère l'oeuvre comme remarquable...».

Ses mouvements dénotent une certaine filiation à des formes anciennes comme la suite, ainsi que le style très contrapuntiste du langage de la musique. Il garde toujours un caractère très intimiste,et souvent le piano est traité comme une cinquième voie. Plus que dans son rôle naturel d'accompagnateur il aurait plutôt une fonction d'organisateur de l'oeuvre et de déclencheur des idées musicales.

Les instrumentistes sont de premier ordre: le Quatuor polonais Szymanovwski formé par: Andej Bielow et Grzegorz Kotöw, violons; Vladimir Mykytka, alto et Martin Sieniawski, violoncelle avec le pianiste allemand Matthias Kirschenreit

Hänssler Classic : CD93.260.

Philippe Adelfang.

L'édition Messiaen de Erato chez Warner Classics

Le musicien qui aimait les oiseaux. L'artisan du son-couleur avec ses trouvailles musicales très personnelles comme les modes harmoniques transposables un certain nombre de fois, a toujours aimé à trouver en musique des "couleurs complémentaire". Il a eu une foi catholique à toute épreuve, pour lui sa musique idéale était l'équivalent d'un rayon de soleil au travers d'un vitrail, un "arc-en-ciel théologique".

Les points de repéré de Messiaen sont divers, Mozart, Claude Le Jeune, le Berlioz de "Roméo et Juliette", le Ravel de "Daphnis et Chloé", le Stravinsky du "Sacre du printemps", le Milhaud des "Malheurs d'Orphée", le Jolivet de "Mana", le Dukas "d'Arianne et Barbe-Bleu" et enfin tout l'oeuvre de Webern.

Selon Pierre Boulez, qui fut son élève, Messiaen ne composait pas, il juxtaposait. Autrement dit, il n'y a pas de véritable croissance organique, mais chaque oeuvre est construite comme une immense mosaïque. Il en résulte souvent un caractère statique, transcendantal, qui est plus proche de la philosophie orientale de "l'être" que de la philosophie occidentale du "devenir". Fabien Watkinson pour Warner.

À la veille du 20è anniversaire de sa mort, se coffret s'impose comme un des plus beaux trésor qu'on peut trouver dans le marcher des disques consacrés au compositeur. Avec ce corpus on a droit a une des meilleurs interprétation de ses oeuvres dans chaque domaine, et toujours par des artistes qui ont été en contact avec lui. On pourrait énumérer entre autres: Olivier Messiaen (Méditations sur le mystère de la Sainte-Trinité, réalisé sur le Cavaillé-Coll de l'église de la Trinité), Yvonne Loriod (élève et 2è épouse), Marius Constant à la tête de l'Orchestre Philharmonique de l'ORFT, Ken Nagano (sa célèbre version de la Turangalila avec P.l. Aimard, Dominique Kim et l'Orchestre Philharmonique de Berlin enfin Pierre Boulez et l' Orchestre du Domaine Musical, etc...

Coffret Warner de 18 CD: 256462162-2 Messian Edition

Symphonies complètes de Beethoven par La Chambre Philharmonique sous la direction d'Emmanuel Krivine

Voici une parution importante du label Naïve pour le mois de mai au Canada, le coffret de cinq CD de l'intégrale des symphonies de Beethoven, jouées par La Chambre Philharmonique sous la baguette d'Emmanuel Krivine.

La Chambre Philharmonique est née sous l'égide d'Emmanuel Krivine. Elle se veut l'avènement d'une utopie. Orchestre d'un genre nouveau, constitué de musiciens issus des meilleurs formations européennes animés d'un même désir musical, elle nous fait découvrir le coeur d'une nouvelle aventure en musique.

Pourquoi le cycle intégral des symphonies de Beethoven?

«Parler d'une épreuve de vérité serait un peu pompeux, mais il y a quelque chose de cet ordre. En tout cas graver les symphonies de Beethoven était tout simplement devenu essentiel». Nous dit Emmanuel Krivine.

Beethoven est aussi la pierre angulaire du répertoire symphonique de tout orchestre. Le langage novateur par rapport aux grands classiques: Haydn et Mozart, fait de Beethoven le compositeur qui renouvellera toutes les formes musicales, spécialement celles de la sonate dont il bouleverse tous les éléments. Comme l’affirme très bien Boucourechliev «avec Beethoven commencent les temps modernes de la musique: sous le signe du doute et de la mise en question incessante de toute chose, il oblige les générations futures à une invention perpetuelle.

Instruments d'époque?

«Le fait de jouer sur instruments d'époque n'est pas une source d'orgueil pour les musiciens. En fait notre intégrale de Beethoven ne se veut une interprétation authentique mais une authentique interprétation. L'enjeu était de démontrer sans faire une démonstration mais en restant au contraire dans la seule interprétation». Emmanuel Krivine.

Sinéad Mulhern, soprano

Carolin Masur, mezzo-soprano

Dominik Wortig, tenor

Konstantin Wolff, basse-baritone

Choeur de chambre Les Éléments

La Chambre philharmonique, avec des instruments d'époque.

Emmanuel Krivine, direction.

Coffret 5 CD Naïve V5258 (enregistré en 2009 et 2010).

Ritual obsessions. Le duo d'Accord et le duo de percussion Eardrum.

Igor Stravinski: La Sacre du printemps

Bela Bartók: Sonate pour deux pianos et percussion.

Duo d'Accord et duo de percussion Eardrum.

Genuin 11195

«J'entrevis un jour de façon absolument inattendue, car mon esprit était occupé par des choses tout à fait différentes, j'entrevis dans mon imagination le spectacle d'un grand rite sacral païens: les vieux sages, assis en cercle, et observant la danse de la mort d'une jeune fille, qu'ils sacrifient pour leur rendre propice le dieu du printemps. Je dois dire que cette vision m'avait fortement impressionné et j'en parlai immédiatement à mon ami le peintre Nicolas Roerich, spécialiste de l'évocation du paganisme.»

Stravinski nota aussi dans ses chroniques concernant la première représentation du Sacre du Printemps le 29 mai 1913 au nouveau Théâtre des Champs-Elysées à Paris: «Je m'abstiendrai de décrire le scandale qu'il produisit. On en a trop parlé. La complexité de ma partition avait exigé un grand nombre de répétitions que Monteux conduisit avec le soin et l'attention qui lui sont coutumiers. Quant à ce que fut l'exécution au spectacle, j'était dans l'impossibilité d'en juger, ayant quitté la salle dès les premières mesures du prélude, qui tout de suite soulevèrent des rires et des moqueries. J'en fut révolté. Ces manifestations, d'abord isolées, devinent bientôt générales et, provoquant d'autre part des contre-manifestation, qui se transformèrent très vite en un vacarme épouvantable. Pendant toute la représentation je restai en coulisses à côté de Nijinsky. Celui-ci était debout sur une chaise, criant éperdument aux danseurs:" seize, dix-sept, dix-huit..." (ils avaient leur compte à eux pour battre la mesure). Naturellement les pauvres danseurs n'entendaient rien à cause du tumulte dans la salle et leur propres trépignement. Je devais tenir Nijinsky par son vêtement, car il rageait prêt à tout moment à bondir sur la scène pour faire un esclandre. Diaghilev, dans l'intention de faire cesser ce tapage, donnait aux électriciens l'ordre tantôt d'allumer, tantôt d'éteindre la lumière dans la salle. C'est tout ce que j'ai retenu de cette première. Chose bizarre, à la répétition générale à laquelle assistaient, comme toujours, de nombreux artistes, peintres, musiciens, homme de lettres et les représentants les plus cultivés de la société, tout se passa dans le calme et j'était à dix lieues de prévoir que le spectacle pût provoquer un tel déchaînement.» Igor Stravinski Chroniques (1882-1971).

La sonate pour deux pianos et percussion est la plus célèbres des sonates composées par Bela Bartók (1881-1945). elle a été composée durant les mois de juillet et août 1937 à Budapest suite à une commande de la «Société Internationale pour la nouvelle musique» de Bâle pour son dixième anniversaire.

Les instruments de percussion requis sont: timbales, grosse caisse et caisse claire; cymbales (dont deux suspendus), tam-tam, triangle et un xylophone.

Cette oeuvre reflète la recherche de Bartók d'un compromis entre le système tonal et une harmonie personnelle, tout à fait riche basée en théorie sur un «système d'axes» qui consiste à établir des degrés équivalents aux "vieux" toniques, sous-dominante et dominante du système tonal.

Le duo d'Accord est formé par: Lucia Huang et Sebastian Euler, pianos.

Le duo de percussion Eardrum est formé par: Johannes Fischer et Domenico Melchiorre.

Genuin 11195.

Philippe Adelfang.

Six Suites pour violoncelle de J.S.Bach. Paladino Music

On ne connaît pas la date exacte de la composition des six Suites pour violoncelle solo de J.S. Bach (1685-1750), et surement les premières pièces écrites pour cet instrument par Domenico Gabrielli (1659-1690) et de Giovanni Batista Degli Antoni (1660?-) en furent un antécédent

Il ne reste pas de manuscrit autographe de ces pièces mais on a pu récupérer quelques pièces copiées par Anna Magdalena, la seconde épouse de Bach, à l'organiste et ami de Bach Peter Kellner (1705-1772). Comme malheureusement la copie d'Anna Magdalena contient quelques erreurs, on préfère souvent la copie que Kellner réalisa en 1726. Bien qu'il manque une des pièces, elle donne des indications de phrasé très précieuses, et qui ont surement aidé à la première édition imprimée parut en 1825 chez Probst à Vienne.

La suite n°5 (BWV1011) a été transcrite par Bach pour luth. Elle est destinée à un violoncelle "scordato", c'est à dire un violoncelle dont la quatrième corde (la) est accordée un ton au-dessous de la normale (sol).

Martin Rummel utilise cette édition copiée par Keller pour l'enregistrement du disque, qui représente plus de dix années de travail sur ce manuscrit, avec évidement des erreurs. Il a décidé de cette version lorsque surgirent les différences avec le manuscrit d'Anna Magdalena. Comme Martin Rummel le dit dans la notice du disque, «Il ne semble pas exister le vrai ou le faut dans ces manuscrits, mais bien une constante recherche a vie de la meilleure traduction possible».

Martin Rummel, violoncelle.

Paladino Music: 2CD pmr0004, enregistré en 2009.

Philippe Adelfang.

6è Symphonie de Tchaïkovsky avec l'Orchestre Gürzenich de Cologne, Dimitrij Kitajenko

Dans toute forme d'art la tradition est un aspect problématique de la création. Parfois la question qu'on se pose ce n'est pas si on doit la respecter ou la briser, mais à mon humble avis, comment construire du nouveau avec.

Pour un orchestre la tradition se fait à travers des générations de musiciens qui passent un espèce de légat aux jeunes puisqu'ils ont travaillé et fait de la musique avec d'autres grands artistes.

La Gürzenich-Orchester Köln est un des grands orchestres allemands fondé en 1857, pour lequel Brahms a écrit son Double Concerto, Mahler sa 5è Symphonie et Strauss son Till Eulenspiegel.

De grand chefs comme Günter Wand ainsi que de grands compositeurs du XX è siècle comme Stockhausen, Lutoslawski et Penderecki entre autres, ont enrichi le patrimoine sonore et esthétique de l'orchestre. Évidement tout cela forme partie d'une tradition.

Actuellement l'orchestre prépare deux intégrales, celle des symphonies de Mahler avec son chef titulaire Markus Stenz, et celle des symphonies de Tchaïkovsky avec son chef honoraire Dimitrij Kitajenko.

Thaïkovsky (1840-1893) hésita pendant plusieurs années à composer une sixième symphonie, après le niveau de perfection atteint avec la cinquième. Il put la créer en 1893 juste avant sa mort. L'originalité de cette symphonie est due principalement à sa forme, et surtout à l'utilisation "cyclique" d'un pathos sentimental qui va teindre touts les niveaux de la composition thématique de l'oeuvre. Elle finit avec un adagio, chose nouvelle pour l'époque et qui constitue un antécédent de Mahler et de Chostakovich.

L'exploit de Kitajenko est de maintenir jusqu’à la fin la forme d'arche parfaite que cette oeuvre possède. C'est sa grande difficulté et en l'écoutant on devrait sentir qu'il s'agit d'une oeuvre en un seul volet, mais avec trois grandes respirations entre ses mouvements. C'est ce que transmet ce disque! C'est sa force et sa réussite, ce qui enrichi une discothèque déjà bien garnie, mais pas toujours de la même qualité.

Oehms Classics: OC666

Philippe Adelfang

SONGS Ensemble Contraste chez Naïve DC510503

L'Ensemble Contraste revisite l'univers des plus grandes comédies musicales, de Broadway à Rochefort. Retrouvez à leurs côtés, les sublimes voix de Karine Deshayes, Sandrine Piau, Magali Léger, Isabelle Georges, Emily Loizeau, Rosemary Standley, Alain Buet, Sébastien Droy, Sébastien Guèze, Albin de la Simone, le Choeur Contraste ainsi que l'impro jazz de Raphaël Imbert et Karol Beffa

Avec le même plaisir et enthousiasme que dans leur CD précédent Café 1930, l'Ensemble Contraste nous plonge dans l'univers de la comédie musicale. Des mélodies inoubliables, des rythmes sucrés avec une bonne dose de tension et improvisation se combinent avec les arrangements imaginatifs de John Farjot, donnant un résultat intimiste et très émotif.

Songs, Ensemble Contraste Naïve: DC510503, à partir du 26 avril 2011.

Marcel Tyberg (1893-1944) : Symphonie no.3; Trio pour piano en fa majeur

Buffalo Philharmonic Orchestra

JoAnn Falletta, direction

Michael Ludwig, violon

Roman Mekilunov, violoncelle

Ya-Fei Chuang, piano

Pouvait-on revenir d’Auschwitz? Oui, car quelques-uns réussirent cet exploit. Bénis de la Providence, ou de la chance, furent-ils! Mais plus extraordinaire encore : peut-on en ressusciter? C’est apparemment le miracle que parvient à réaliser la musique de Marcel Tyberg, compositeur autrichien dont la 2^e symphonie fut crée dans les années 30’ par un jeune Rafael Kubelik! L’histoire des manuscrits de Tyberg est édifiante. Peu avant d’être arrêté pour ses origines partiellement juives, puis déporté vers les camps de la mort, Marcel Tyberg confia ses partitions à un ami de longue date, un physicien italien du nom de Milan Mihich. Les manuscrits ont été par la suite légués en héritage au fils de Milan, Enrico, devenu spécialiste au Roswell Park Cancer Institute de Buffalo. Enrico Mihich raconta cette histoire à JoAnn Falletta qui accepta de regarder les partitions, puis de les interpréter.

L’initiative est absolument heureuse. La musique de Tyberg est d’une grande beauté. Le langage est résolument romantique, et offre à l’auditeur attentif des échos plus que satisfaisants de Schumann et de Brahms, avec quelques teintes de Bruckner ici et là. Le 1^er mouvement est affirmatif avec son thème héroïque et cuivré, le 2^e est un scherzo allègre où la patte schumanienne se fait plus évidente, le 3^e est un adagio lyrique et mélancolique somptueusement écrit pour les cordes alors que le 4^e et dernier mouvement est un rondo dynamique qui propulse l’auditeur en territoire de robuste espièglerie.

Le Trio en fa majeur fut créé en 1936 et ne porte que très peu la marque de son époque troublée, ni de sa personnalité stylistique. La plume et le canevas utilisés sont éminemment romantiques, encore plus que dans la symphonie. On songe à Schumann, mais aussi à Mendelssohn, avec un lyrisme à fleur de peau qui ramène à l’écriture des nationalistes est-européens et nordiques. Le premier mouvement révèle une mélodie poignante et rhapsodique, qui mérite certainement à elle seule la redécouverte de cette partition. L’adagio central est empreint de tendresse et de nostalgie. Le rondo final, bien qu’allant, est tendu et sombre, ce qui constitue la première manifestation de la conscience que devait avoir le compositeur de l’orage maléfique qui grondait autour de lui en ces années.

Le mélomane découvrira en Marcel Tyberg un mélodiste inspiré et un orchestrateur de premier rang qui sait toucher le cœur et l’esprit. Son esthétique devait paraître archaïque au moment de ces compositions, mais la qualité du savoir-faire qui y est exprimé est indéniable et devrait combler quiconque saura débourser quelques menus dollars pour cette magnifique parution. Merci Naxos.

Naxos 8572236

Frédéric Cardin

Jean-Philippe Rameau Operas coffret de 11 DVD Opus Arte OA1052BD

Né en 1683, Jean-Philippe Rameau était un proche contemporain de J.S.Bach et Georg Friedich Haendel. Et tout comme eux, il reste un des plus grands compositeurs de tout les temps. Il fut un compositeur hâve et taciturne, tout à fait inadapté au luxe et à l'élégance. Obsédé par la musique, il rêvait d'une harmonie universelle et considérait sa discipline comme un modèle pour tout forme de science. Authentique disciple des Lumières, Rameau associait la pensée à une sensibilité et une perception exacerbées et disait à ce titre que «la vraie musique est le langage du coeur» Reiner E. Moritz pour Opus Arte.

Cette collection de cinq opéras et un très rarement enregistré grand motet, nous offre un bon aperçu de ce grand compositeur. Ces 11 DVD représentent un ensemble des meilleures productions de ses opéras avec les interprétations des grand spécialistes de la musique ancienne d'aujourd'hui.

OPERAS

LES BORÉADES

CASTOR ET POLLUX

IL CONVETENDO

LES INDES GALANTES

LES PALADINS

ZOROASTRE

Casts includes:

Paul Agnew

Barbara Bonney

Anders J Dahlin

Sophie Daneman

Veronique Gens

Topi Lehtipuu

Laurent Naouri

Danielle de Niese

Anna Maria Panzarella

Nicolas Rivenq

Dance ensembles include:

La LaLa

Human Steps

Orchestras include:

Les Talens Lyriques

Les Arts florissants

Opéra national de Paris

The Drottningholm Theatre Orchestra

Conductors include:

William Christie

Christophe Rouset

Opus Arte OA1052BD.

Samson et Dalila - Vlaamse Opera EuroArts 2058628

Samson – Torsten Kerl
Dalila – Marianna Tarasova
Le Grand-Prêtre de Dagon – Nikola Mijailovic
Abimélech – Milcho Borovinov
Un vieillard hébreu – Tijl Faveyts
Premier Philistin – Thorsten Büttner
Deuxième Philistin – Onno Pels
Messager – Gijs Van der Linden

Flanders Opera Chorus and Orchestra
(chorus master: Yannis Pouspourikas)
Tomáš Netopil, conductor

Omri Nitzan and Amir Nizar Zuabi, stage director
Ashraf Hanna and Amir Nizar Zuabi, set and costume designer
Keren Granek, lighting designer

Recorded live from the Vlaamse Opera Antwerp/Ghent, 8 May 2009.

Dans la production de l'Opéra de Flandres présentée à Anvers en 2009, l'opéra de Saint-Saëns Samson et Dalila - une histoire d'amour vouée à l'échec, sur fond de conflit culturel entre Hébreux et le Philistins- se déroule dans le Moyen-Orient d'aujourd'hui. Les deux metteurs en scène, l'israélien Omri Nitzan et le Palestinien Amir Nizar Zuabi, sondent tensions entre les différents nations et religions, et la complexité des relations qui unissent oppresseur et opprimés. «Nous avons délibérément cherché à nous éloigner d'une interprétation quai biblique, et à placer l'histoire dans le monde contemporain pour mieux en souligner les aspects politiques, expliquent-ils. Tout acte de terreur, perpétré par état, entraîne des actes de terreur contre lui, et déclenche en réaction un regain d'actes de terreur de la part de l'état, en un parfait cercle vicieux» Keth Anderson et Paul Campion, pour Euro Arts.

Euro Arts DVD: 2058628 disponible à partir de mai 2011.

«El bandoneón es la fuente de la vida»

A different way, un film de Gabriel Szollosy, présenté par Euro Arts DVD: 2058378.

Rodolfo Mederos n'est pas un musicien comme tous les autres. Ce documentaire nous raconte un peu son histoire et son parcours, parsemé de prestations dans des différents lieux de Buenos Aires. On peu écouter son "orquesta típica", son trio et bien sur lui en solo. Mederos est peu-être un des derniers musiciens d'une lignée, d'une tradition et d'une école. C'est pour cette raison qu'il s’obstine à jouer avec des jeunes, de façon à passer le flambeau et assurer un certain savoir aux nouvelles générations. Le tango n'est plus une musique populaire, il nous dit, il n'y a qu'a écouter la musique qu'on écoute aujourd'hui dans la rue, la radio ou les foyers. C'est pour cela que le travail avec les jeunes musiciens devient indispensable et vital.

Le tango est triste, on dit souvent, parce qu'il a été fait principalement par des immigrants, qui se sont rendu compte à un moment donné, qu'ils ne pourront plus revenir chez eux. De toute façon, est-ce qu'il y aurait n'importe quel être humain qui ne soit pas triste une fois dans sa vie?

Le tango est une musique urbaine, et Mederos est un musicien urbain. Pour lui la vraie musique est dans a rue.

Il faut récupéré la danse dans le tango. Ce fut l'origine de cette musique, et sa raison d'être. Cette musique est un véhicule naturel pour la danse, puisqu'il est lent ce qui permet d'assurer la rencontre mythique entre deux âmes.

Si un tango ne le dit pas, ça n'existe pas. Il y a un tango pour chaque chose dans la vie. Et un seul chemin pour y arriver, le nôtre, celui qu'on doit toujours respecter.

A different way: tango avec Rodolfo Mederos.

Un film de Gabriel Szollosy

Rodolfo Mederos trio

Rodolfo Mederos orquesta típica

Miguel Poveda

Iturriaga quartet

Ariel Ardit

Euro Arts 2058378

Benvenuto Cellini d'Hector Berlioz, Blu-ray Naxos NBD0006

Benvenuto Cellini – Burkhard Fritz
Teresa – Maija Kovalevska
Fieramosca – Laurent Naouri
Giacomo Balducci – Brindley Sherratt
Pope Clemens VII – Mikhail Petrenko
Ascanio – Kate Aldrich
Francesco – Xavier Mas
Bernardino – Roberto Tagliavini
Pompeo – Adam Plachetka
Innkeeper – Sung-Keun Park

Vienna State Opera Chorus
Vienna Philharmonic Orchestra
(chorus master: Andreas Schüller)
Valery Gergiev, conductor

Philipp Stölzl, stage director and stage designer
Kathi Maurer, costume design
Duane Schuler, lighting design
Mara Kurotschka, choreographer

Filmed at the Großes Festspielhaus, Salzburg, 5, 10 and 15 August 2007.

«Benvenuto Cellini est l'une des plus séduisantes compositions de Berlioz. Ecrite entre Harold en Italie et le Requiem, c'est l'oeuvre d'un jeune homme, et elle est imprégnée de l'atmosphère italienne à laquelle Berlioz fut si sensible durant son séjour à Rome en 1831-1832, en tant que lauréat du prestigieux Prix de Rome, même si par ailleurs il affirmait détester la musique et les musiciens italiens». David Patmore, pour Naxos.

Mise en scène à la Metropolis, fantaisie dans le style de Batman à la façon d'un photo-montage où des robots et un hélicoptère, forment partie de quelques exemples de cette incroyable production du festival de Salzbourg, le tout dirigé par Valery Gergiev. Déjà disponible en DVD (2.110271), il sortira en Blu-ray à partir du 26 avril.

Naxos Blu-ray: NBD0006

«Non, ce n'est pas une musique d'enfant» George Enescu, les oeuvres complètes pour violon-alto et piano. Telos TLS062

Laurent Albrecht Breuninger, violon et alto.

Thomas Duis, piano.

CD1: Sonate op.2 pour violon et piano

Pièce de concert pour alto et piano

Impressions d'enfance op.28 pour violon et piano

Impromptu concertant pour violon et piano

CD2: Sonate op.6 pour violon et piano

Sonate «Torso» pour violon et piano

Sonate op.25 pour violon et piano.

Telos 2 CD TLS 062

George Enescu (1881-1955) mena une carrière de violoniste virtuose, ainsi que de chef d'orchestre et même pianiste accompagnateur! Partagé entre la France et la Roumanie il participa à des ensembles de musique de chambre avec Cortot, Casals, Lipatti, et même fonda un quatuor à son nom. On comprend alors que la musique de chambre avait pour Enescu une très grande importance. «Le Berlioz de la musique de chambre», Enescu reste encore un compositeur méconnu, mais il l'est au même rang qu'un Bartok ou qu'un Janacek.

Sa première sonate en ré majeur op.2 (1887) nous montre l'influence que Brahms a eu dans son époque de formation. Enescu fit des études à Vienne où il le rencontra, mais surtout il travailla l'écriture avec Fuchs, grand défenseur de la musique de Brahms. Pourtant la pièce qui retient notre attention de ce premier CD, c'est les Impressions d'enfance op. 28, sorte de grand poème enchaînant dix épisodes: Ménétrier, Vieux mendiant, Ruisselet au fond du jardin, L'oiseau en cage et le coucou au mur, Berceuse, Grillon, Lune à travers les vitres, Vent dans la cheminée, Tempête au-dehors dans la nuit, Lever du soleil. La musique nous raconte les moments d'une journée pleines d'images, puis d'une nuit avec ses visions inquiétantes.

La deuxième sonate pour violon et piano en fa mineur op.6 (1899) possède un langage plus personnel. Enescu la considérait comme la première oeuvre à rester dans son catalogue. Elle est construite, comme sa première, en trois mouvements. Son mouvement central est très original, avec ses mélodies de caractère modal surement faisant allusion à sa Roumanie natale.

La sonate "Torso" (1911) est le seul mouvement d'une oeuvre inachevée qui nous ait survécu, dont les caractéristiques extrêmement romantiques du langage nous font songer à celui du dernier Scriabin.

Avec sa troisième sonate en la mineur op. 25 (1926), "Dans le caractère populaire roumain", Enescu a écrit une oeuvre d'une grande maturité. Chef-d'oeuvre du répertoire, plus accessible que les sonates de Bartok, écrites un peu plus tard,elle reflète le travail sur le folklore roumain, en particulier la musique des "lautari" espèce de musiciens itinérants dont les chants et danses ont formé une partie importante de l'enfance du compositeur.

Un petit paragraphe pour nos artistes. Breuninger a toujours un son chaleureux, extrêmement mélodique, en donnant un sens de langage aux virtuosités techniques que ces partitions exigent; tandis que Duis se trouve être le compagnon idéal, équilibré et très intelligent. Ces deux artistes, nous laissent entendre et croire qu'on est devant une de ces merveilles, souvent pas très connues de la discographie récente.

Telos 2 CD, TLS 062.

Philippe Adlefang.

La plus belle musique au monde.

«J'ai le plaisir de partager avec vous ma passion et mon amour de la musique. Vous trouverez dans ce coffret tout le bonheur et le bien-être que vous ressentez à l'écoute de la plus belle musique au monde sur Radio-Classique» J.P.Coallier.

Beethoven Verdi Ponchielli Grieg Weber Mancini Offenbach Bocherini Bellini Mozart Handel Anderson Wagner Denza Chopin Ramirez Vivaldi Satie Gade Verdi Ravel Smetana Elgar Leoncavallo Rossini Bach Mendelssohn Dvorak Schubert Tchaikovsky Marcello Villa-LobosBizet Saint-Saëns Grainger Gounod Gershwin Strauss II Bruch Mascagni Raff Rachmaninov Puccini Addinsell Chabrier Chueca Stokowsky Weber Monteverdi Brahms Respighi Chostakovitch

Pour souligner plus de dix ans de collaboration avec Archambault et Radio-Classique, Naxos présente ce coffret de six CD pour, non seulement tous les amateurs de musique classique, mais aussi pour ceux qui désirent s'initier dans ce merveilleux univers.

Belle opportunité d'avoir dans six CD une bonne sélection de musique, avec les classiques qu'on aime tant, mais aussi des airs qui vous donneront l'envie de découvrir d'autres compositeurs. Le tout avec une qualité numérique (DDD), qui comblera les oreilles les plus exigeantes.

La plus belle musique au monde, disponible seulement chez Archambault et Archambault.ca.

Naxos: 8506025

La Traviata un sujet de notre époque.

Violetta Valéry – Patrizia Ciofi
Alfredo Germont – Roberto Saccà
Giorgio Germont – Dmitri Hvorostovsky
Flora Bervoix – Eufemia Tufano
Annina – Elisabetta Martorana
Gastone – Salvatore Cordella
Il barone Douphol – Andrea Porta
Il dottore Grenvil – Federico Sacchi
Il marchese d'Obigny – Vito Priante
Giuseppe – Luca Favaron
Un domestico – Salvatore Giacalone
Un commissionario – Antonio Casagrande

Teatro La Fenice Chorus and Orchestra
(chorus master: Pietro Monti)
Lorin Maazel, conductor

Arthaus-107227

«À Venise, je suis en train de composer La Dame aux Camélias, qui s'intitulera peut-être Traviata. Un sujet de notre époque. Un autre aurait peut-être hésité à l'accepter à cause des costumes de l'époque et de mille autres réserves scabreuses. Pour m'a part, j'y prends un immense plaisir.» Verdi 1853.

Robert Carsen pour Arthaus.

Verdi composa La Traviata sur une commande du théâtre de la Fenice à Venise, où l'opéra fut créé le 6 mars 1853. L'accueil du public et de la critique demeura très réservé et il n'y eu que huit autres représentations jusqu'à la fin de la saison suivante, Verdi profita pour effectuer plusieurs révisions, en particulier dans le grand duo entre Violetta et Germont, dans le finale du deuxième acte et dans les deux derniers numéros de l'opéra. Sous cette nouvelle forme, La Traviatta remporta un succès retentissant le 6 mai 1854 et fut donnée en l'espace de quatre ans plus de deux cents théâtres en Italie et à l'étranger. Pour la cérémonie de réouverture de la Fenice en novembre 2004, la direction du théâtre a toutefois décidé de présenter la version originale de 1853.

Eva Reisinger pour Arthaus.

Arthaus Musik 107227

Naxos Music Library, toute la musique là où je veux

L’apprentissage de tout instrument, y compris celui de la voix, passe par l’écoute de la musique et de ses œuvres essentielles du répertoire classique, parce que c’est ainsi que va se former notre goût, guidé par la pléiade de professeurs rencontrés au cours de notre parcours pédagogique. En effet comment se forger une idée de l’interprétation d’une œuvre, comment avoir accès à une solution artistique innovante ou comment comparer son interprétation à celle d’autres musiciens … La réponse est simple : en écoutant de la musique…

C’est ce que propose la Naxos Music Library qui offre la possibilité d’accéder, en une page internet, à une grande partie de la musique classique existante ainsi que du jazz, du pop et pas mal de musique du monde.

Qu'est-ce que la Naxos Music Library?

En effet, la Naxos Music Library propose un site pour écouter la musique en ligne; ce qu'on appelle en anglais du «streaming».

http://www.naxosmusiclibrary.com

Sur ce site, Naxos, une des plus grandes compagnies dédiée à la musique classique, a réuni non seulement toute sa production de disques compacts, mais également le catalogue de plus de 230 labels, mondiaux. Cela donne la possibilité d'avoir un accès à plus de 43.000 cds soit plus de 600.000 pistes d’écoute

Comment fonctionne la Naxos Music Library?

Rien de plus facile : en s'abonnant on obtient les mots de passes qui permettent d’entrer dans la page d'internet, où sont offerts plusieurs choix d'activités et différents genres de musiques.

Sur la page d'accueil divers onglets s’ouvrent pour développer des menus proposant les options qui donnent accès aux disques.

Recherche par mots clés (search):

Il s’agit du moteur de recherche, où l'on peut accéder aux disques en faisant une recherche par mot clés, par titre du disque, nom du compositeur ou nom de l'artiste.

Nouvelles parutions et nouveautés:

Dans l'onglet nouvelles parutions (new releases), on trouve l'information et l'accès à toutes les nouveautés du mois. Celles-ci sont ordonnées par label. C'est un outil indispensable pour les amateurs, ceux qui sont au courant des nouveaux enregistrements ou ceux qui veulent l’être.

Le deuxième onglet de nouveautés, présente simplement la même information mais disposée sous forme de liste.

Compositeurs:

Onglet très important, puisqu'il s'agit d'un premier catalogage, par compositeurs classés par ordre alphabétique. On y trouve une liste encyclopédique des compositeurs.

Artistes:

Même concept que le précédent, mais cette fois- ci pour les artistes, les ensembles et les orchestres.

Genre:

13 genres au total offrent un bon nombre de ce qu'on peut trouver généralement chez Naxos: classique, jazz contemporain, légendes du jazz ou de la folk, légendes du blues, Nostalgia (série historique de la comédie musicale), world et bien d'autres.

Labels:

tous les labels représentés dans la discothèque

Playlist:

c'est là que vous pouvez sauvegarder vos choix d’écoute créés… Et oui, il s’avère possible de créer notre propre sélection de pistes selon notre goût, notre humeur ou simplement selon notre choix du jour.

Pour les enfants:

des activités d'écoute sont proposées, ainsi qu'une découverte des instruments de l'orchestre.

Pour les étudiants:

on trouve des ressources pédagogiques classées par pays.

Rerssources:

on y trouve des livres audios, un guide de prononciation, des livrets d'opéras et même des analyses d'oeuvres.

Recherce avancée:

c'est un complément au moteur de recherche. Dans cet onglet on peut faire des recherches plus spécifiques, avec la possibilité d'introduire des numéros de catalogue ou bien de faire des recherches par époques, pays, etc...

La discothèque Naxos offre la possibilité de trois qualités d'écoute: qualité FM à 20Kbps, qualité presque CD à 64 Kbps, qualité CD à 128 Kbps.

Il est très important d'ajouter que l'accès à la Naxos Music Library peut se faire à distance permettant ainsi aux enseignants et aux élèves de préparer leur cours de chez soi ou de n'importe où.

La discothèque Naxos est un outil formidable, non seulement pour les enseignants et les élèves en musique, mais aussi pour tous les amateurs et mélomanes. Ainsi, les besoins en écoute de musique de chacun seront absolument comblés. Avec son catalogue exhaustif et sa page d'internet très conviviale la Naxos Music Library est sans aucun doute la référence en musique en ligne. C'est grâce à ses qualités que les principales écoles de musique et bibliothèques au Québec l'ont adoptée comme leur référence en écoute en ligne.

http://www.naxosmusiclibrary.com

Philippe Adelfang.

L'Orfeo de Claudio Monteverdi, Teatro alla Scala chez Opus Arte

Orfeo: Georg Nigl

Euridice: Roberta Invernizzi

Messaggera: Sara Mingardo

Speranza: Sara Mingardo

Caronte: Luigi De Donato

Proserpina: Raffaella Milanesi

Plutone: Giovanni Battista Parodi

Eco: Roberta Invernezzi

Apollo: Furio Zanasi

Solo Dancer: Nicola Strada

Orchestre du Teatro alla Scala

Basso continuo: Concerto Italiano

Chef: Rinaldo Alessandrini

Régie: Robert Wilson

Enregistré au Teatro alla Scala

le 21 et 23 décembre 2009

Le 23 février 1607, Carlo Magno de Mantoue écrivit à son frère à Rome pour lui parler d'un prochain spectacle promu par Francesco Gonzaga, fils aîné du Duc de Mantoue: «Demain soir, Son Altesse Sérénissime le Prince doit promouvoir une pièce dans les appartements dont Son Altesse Sérénissime la Duchesse (Margherita) de Ferrara avait la jouissance. Cette piece devrait être très originale car tous les acteurs vont chanter leur rôle. Tous le monde dit que sera un grand succès. Je serai sans nul doute poussé à aller la voir par simple curiosité, à moins que je n'en sois empêché par manque de place.» Tim Carter pour Opus Arte.

Opus Arte: OA1044D Dvd

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